World Press Photo 1988

Análisis wpp 1988

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FUTURO OSCURO: Las voces de la crisis

Fotorreportaje

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Primeros pasos hacia la fotografía perfecta

Louis Daguerre, Boulevard du Temple, 1838

A partir de los experimentos de Joseph-Nicéphore Niépce, en 1839 Louis Daguerre presenta oficialmente, en la Academia de las Ciencias de París, el daguerrotipo, primer procedimiento fotográfico de la historia.
Este procedimiento consiste en una placa de cobre con una cara plateada, superficie sobre la que, al funcionar como un espejo, se forma la imagen. Esta superficie es sometido a vapores de yodo que hacen que la placa sea sensible a la luz. A continuación, se revela mediante vapores de mercurio y se obtienen películas microscópicas de mercurio y plata.
Para mejorar su proyecto, Daguerre hizo varios experimentos como la célebre imagen Boulevard du temple, considerada la primera fotografía en la que aparece una persona y la primera fotografía trucada de la historia. Al necesitar unos diez minutos de exposición, la gente salía tan movida que no se capta en la imagen. Daguerre, consciente de ello, pagó a un limpiabotas para que se mantuviera quieto durante la exposición.

Chim, hombre de mundo con cámara

David Seymour, Horror en la Guerra Civil española, 1936

David Seymour, Chim, (Polonia, 1911- Egipto, 1956) es uno de los ejemplos de fotoperiodista cosmopólita que retrató la sociedad de su tiempo. Empezó a dedicarse a la fotografía en 1933 mientras cursaba sus estudios en la Sorbona parisina. Para la revista LIFE cubrió diversos acontecimientos políticos internacionales y guerras.
En el año 1936, Seymour viajó a España para cubrir la Guerra Civil y para combatir el fascismo junto a su amigo Robert Capa. En 1939, al terminar la Guerra Civil, vuelve a París y después se establece en Nueva York. Al comenzar la II Guerra Mundial sirve al ejército estadounidense como fotógrafo e intérprete hasta el final de la guerra, en 1945.
Dos años más tarde funda, junto a compañeros de profesión como Robert Capa, Henri Cartier-Bresson, George Rodger o William Vandivert, la agencia de fotografía Magnum, santo y seña del fotoperiodismo de la época.

David Seymour, Children of Europe, 1949

Su proyecto más importante lo realizó en 1949, cuando viajó a Checoeslovaquia, Grecia, Polonia, Alemania e Italia para retratar los efectos de la posguerra en los niños. Este trabajo se lo encargó la Unesco y tomó forma en el libro Children of Europe además de conformar la exposición póstuma Los niños de Chim. En 1954, al morir Robert Capa en Indochina, es nombrado presidente de Magnum. Seymour solo presidió la agencia dos años ya que fue fusilado en Egipto junto al fotógrafo francés Jean Roy mientras se disponía a realizar un trabajo sobre la crisis de Suez. Cuatro días después se firmó el armisticio de Suez.

Películas analógicas en el siglo XXI

Para los amantes de la lomografia ni el carrete ni la manivela pasan de moda. Tanto es así, que la nueva invención de la casa Lomo es una cámara de vídeo (Kino: en ruso película, cine) que utiliza película fotográfica convencional y que graba girando una manivela. Cada rollo de película de 36 exposiciones es suficiente para un minuto de video. Su funcionamiento es bastante siemple y es exactamente igual a como se hacian peliculas antiguamente: mientras atisbas por el visor la escena, giras la manivela para capturar las imagenes en la pelicula. El resultado: una grabación con aire retro, colores vintage y cierto sabor artístico que tanto gusta a los fanáticos de la lomografía. Una invención que no supone ningún avance pero que dentro del mundo digital en el que vivimos y en el que las cámaras son capaces de hacer películas casi sin que nosotros hagamos nada, supone una vuelta al siglo pasado, a los experimentos, al cine mudo, a sorprenderte tan solo cuando reveles el resultado final, a llevar la imaginación y la creatividad al límite mientras disfrutas de experiencias únicas.

Muestras de vídeos grabados con LomoKino:

iCam, ¿la extinción de las compactas?

Creada por el equipo de ADR Studios el imaginado concepto conocido como iCam es un accesorio con la capacidad de convertir el iPhone 5 en una completa cámara con objetivos intercambiables. El proyecto, diseñado por Antonio DeRosa recoge la idea de modulizar el iPhone hasta convertirlo en una potente cámara cuyas características serían:

• Cuerpo de una sola pieza en aluminio
• Lentes intercambiables bajo el sistema “iMount” 
• Flash de tipo LED
• Proyector de imágenes
• Slot para SD, Bluetooth, ISO de 100 a 3200, grabación de vídeo HD todo ello aderezado con un sensor de 10.1 Mpx

La principal ventaja de este nuevo diseño es la comodidad y el poco espacio que ocuparía, así como la posibilidad de tener una cámara de gran calidad sin necesidad de adquirir una compacta.

El formato SD tiene sucesor: nacen las tarjetas XQD

En febrero de 2012 se estrenará en la japonesa feria CP+ el nuevo formato de tarjetas que sustituirá a las SD, hablamos de las tarjetas en formato XQD. La asociación Compact Flash se ha propuesto acabar con la fama de endebles-y-poco-fiables de las tarjetas SD (Secure Data) al dotar a las XQD de gran robustez y durabilidad.

Las nuevas tarjetas se basan en el formato PCI Express y, aunque se espera que en el futuro lleguen a los 600 MB/s, actualmente alcanzan una velocidad de escritura muy próxima a los 125 MB/s.

Tarjeta XQD: 38,5 x 29,8 x 3,8 mm

Aunque ninguna gran compañía se ha pronunciado a favor o en contra de este nuevo formato, hay rumores de que gigantes de la industria como Nikon o Canon ven con buenos ojos el participar activamente en la imposición de estas tarjetas.  

Leica reincide en el "plagio"

En enero de 2012 saldrá al mercado la Leica V-LUX 3, una cámara que según sectores especializados no es otra cosa que una copia de la Panasonic Lumix DMC-FZ150. La V-LUX 3 cuenta con un  sensor CMOS de 12 megapíxeles y un zoom óptico de 24 aumentos. Además, la cámara es capaz de grabar en full HD a 1080p y, en la máxima resolución, es capaz de disparar hasta 12 fotogramas por sengundo. Los programas Adobe Photoshop Elements y Premiere Elements vendrán de serie.
¿Está viviendo Leica una época de vacas flacas y su única manera de sobrevivir es poner su sello a otras máquinas?
Lo que está claro es que si la compañía alemana continúa con esta curiosa alianza es porque le está dando resultado económico. Pero Leica nació en una época en que la fotografía era sinónimo de elegancia, de unos valores que iban más allá del dinero. Quizá no baste con poner su logotipo a máquinas que no están a la altura de su leyenda.

Leica V-LUX 3

Snapseed, mejor aplicación para iPad en 2011

Snapseed es un editor de fotos para iPad que cuenta con herramientas como los puntos de control selectivo, con los que podemos modificar una parte de la imagen sin afectar al resto. Inicialmente se echaba en falta un modo que permitiese aumentar o disminuir la nitidez en una instantánea. Pero en la edición 1.3 de Snapseed encontramos no solo la función nitidez, con la que podemos superar la nitidez preestablecida en hasta 100 incrementos, sino que también incluye una función de Tilt-Shift o miniatura.
Todos estos avances, unidos a su precio (4,99 euros), han convertido a Snapseed en el mejor editor de fotos para iPad. Más aún, en los premios Rewind, que Apple celebra cada año para evaluar y premiar a sus productos, Snapseed ha sido galardonada como mejor aplicación para iPad del año por delante de herramientas como el Instagram.

Ecologismo en fotografía

Ansel Adams - Clearing winter storm, 1940

"El mundo se está cayendo a trozos y todo lo que Adams y Weston fotografían son piedras y árboles". Así definía Henri Cartier-Bresson a Ansel Adams (San Francisco, 1902-1984), quizá el fotógrafo que mejor captó la esencia de la naturaleza jamás.
Con una Kodak #1 Box Brownie que le dieron sus padres siendo aún un niño, Adams comenzó a fotografiar todo cuanto se le ponía delante. Con 25 años funda la asociación fotográfica f/64 con otros fotógrafos como Edward Weston, Imogen Cunningham, Willard Van Dyke, Henry Swift o Sonya Noskowiak. f/64 proponía el uso del diafragma más cerrado de las cámaras para realizar fotografía artística. El sello f/64 se caracteriza por fotografías sin manipular, con gran profundidad de campo, realismo, composición y control de las zonas. Precisamente en este último aspecto Adams fue pionero al desarrollar el llamado sistema de zonas, una técnica de exposición y revelado fotográfico que ofrece, a quien hace la foto, un sistema para definir la relación entre el modo en que ve el sujeto fotográfico y el resultado que alcanzará el trabajo. En sus inicios el método fue recibido como algo demasiado complejo para el fotógrafo medio. 

LIFE cumple 75 años

Alfred Eisentaedt, marinero besando a enfermera,  1945

En 1936 Henry Luce, empresario americano de origen chino y fundador del Time, obtiene los derechos de la revista LIFE, enfocándola hacia el fotoperiodismo (anteriormente era una revista política). Esto supuso el despegue de la revista, que se convirtió en poco tiempo en una de las cabeceras más respetadas, si no la más, en el mundo del fotoperiodismo. Todos los grandes fotógrafos han trabajado para esta publicación. LIFE dejó para la posteridad imágenes como la famosísima Marinero besando a una enfermera, tomada por Alfred Eisenstaedt.
La revista dejó de imprimirse en 2007 aunque en Internet sigue existiendo un impresionante catálogo visual con el sello LIFE que no deja de ser actualizado.
Este año se cumplen 75 años desde su nacimiento como revista dedicada al fotoperiodismo. Para la ocasión, se han seleccionado las consideradas como sus 75 mejores imágenes, que pueden verse en su página web. Se trata de un recorrido por la Historia de los últimos 75 años vista por los ojos de los más grandes fotógrafos.

World Press Photo en España

Jodi Bieber, Aisha Bibi, 2011

En Barcelona podemos encontrar hasta el 18 de diciembre la mejor fotografía en la exposición World Press Photo, organizada por el Centro de Cultura Contemporánea de Barcelona (CCCB). El World Press Photo está considerado el premio más prestigioso en el mundo del fotoperiodismo y supone un retrato del año en sus ámbitos social, político, cultural y económico. Esta edición ha innovado al premiar a una web documental, señal inequívoca de la creciente importancia del mundo virtual en el fotoperiodismo. Ver para creer es el título de esta última edición, invitando a los participantes a reflexionar sobre el papel del fotoperiodismo, como garantía de verdad, en nuestros días.
Fotógrafos españoles como Gustavo Cuevas, Fernando Moleres y Guillem Valle han obtenido premios en las categorías de Deportes (segundo premio), Vida cotidiana (segundo premio) y Retratos (tercer premio), respectivamente.
Pero la máxima galardonada de esta edición ha sido la fotógrafa sudafricana Jodi Bieber gracias a su fotografía en la que aparece una joven afgana, Bibi Aisha, mutilada por haber querido huir de su marido.

Economopoulos, entender las zonas de conflicto

A partir de un libro de Cartier-Bresson empezó el idilio de Nikos Economopoulos (1953, Kalamata, Grecia) con la fotografía. Durante 2 años se dedicó simplemente a observar fotografías, después comenzó a tomarlas él mismo. En 1994 se convierte en miembro de Magnum Photos, gracias a sus trabajos en zonas conflictivas como Yugoslavia, Rumanía, Bulgaria y Albania.

La fotografía de Economopoulos está situada principalmente en el sur de Europa y Asia occidental, donde dice sentirse más identificado y comprender mejor qué pasa. Alguna vez ha intentado salir de este marco, como cuando intentó realizar un proyecto en Japón y tras tres infructuosas semanas de incomunicación volvió a los Balcanes. En el año 94 centró su trabajo en la comunidad gitana de Grecia para retratar la pobreza y el racismo que sufre dicha etnia. También ha realizado proyectos sobre otras minorías en Grecia, como por ejemplo los musulmanes. Un tema recurrente en su obra es el éxodo de los pueblos, como refleja en un proyecto en el que fotografió la frontera que separa las comunidades griega y turca en Chipre, la llamada Línea Verde, o las migraciones ilegales en la frontera albano-griega.  

Este fotógrafo griego ha visto publicadas sus fotografías en cabeceras como Die Zeit, El País, The New York Times, The Guardian, The Independent, Le Monde o Libération. Además ha conseguido varios premios, como el Mother Jones de fotografía documental en el año 1992 o el Abdi Ipekçi en 2001 tras promover la paz y amistad entre los dos países que considera su hogar: Grecia y Turquía. Economopoulos ha publicado 6 libros: In the Balcans, Lignite miners, Dance ex machina, About children, Economopoulos, photographer y My preveza.

El fotógrafo griego tiene una visión apocalíptica del fotoperiodismo, afirma  que está muerto y que grandes maestros como Robert Capa no se dedicarían a la fotografía de vivir hoy. 

Nikos Economopoulos, Somalian refugees at Hiswa camp, 1992

La mirada del siglo XX

FRANCE. Normandy. Seine-Maritime. Dieppe. 1926

En Fotografiar del Natural, el instante decisivo y una nota, Henri Cartier-Bresson afirma: " a la vez que descubrimos el mundo exterior; este mundo nos da forma, pero también podemos actuar sobre él. Debe establecerse un equilibrio entre esos dos mundos, el interior y el exterior que, en un diálogo constante, forman uno solo, y ese es el mundo que debemos comunicar". Esencialmente, esto es lo que Cartier-Bresson hace en su texto, equilibrar su mundo interior con (su) mundo exterior, es decir, cuenta la relación que la fotografía ha tenido con su vida.

Desde el principio, el fotógrafo identifica a la cámara como un mero instrumento en el que simplemente se refleja en una película lo que vemos en nuestra cabeza. Para Cartier-Bresson la verdadera fotografía está dentro de nosotros y sale a la luz cuando "cabeza, ojo y corazón están en el mismo punto de mira".

FRANCE. The Var department. Hyères. 1932

El fotógrafo define el reportaje como "operación progresiva de la mente, del ojo y del corazón para expresar un problema, para fijar un acontecimiento o impresiones sueltas", al captar  momentos irrepetibles, efímeros, el fotógrafo necesita una velocidad de ejecución mayor que la de cualquier otra forma de expresión artística. Por otra parte, Cartier-Bresson se acerca a la empatía de la que hablaba Capa, "si una foto no es buena es porque no estabas suficientemente cerca" al explicar que debemos comprender y formar parte del contexto en el que se encuentra aquello que fotografiaremos, según el francés, lo ideal es "hacernos invisibles". Como padre del fotorreportaje, Cartier-Bresson se centra en otros temas como el tema, apartado en el que explica que lo más difícil es escoger entre una serie de hechos o temas seleccionados. En un fotorreportaje debe establecerse una relación entre las personas retratadas y la mente del propio fotógrafo, creándose el equilibrio, al que al principio nos referíamos, entre mundo interior y exterior. En los apartados composición y técnica, el fotógrafo vuelve a hacer hincapié en su idea de que la verdadera foto la llevamos dentro, composición y técnica son solamente herramientas que nos ayudan a expresar lo que queremos.

Vida sobre fondo blanco

Richard Avedon, Dovima y los elefantes, 1955

El 15 de mayo de 1923 nace en Nueva York Richard Avedon, quizá el fotógrafo de moda más influyente de la historia.  Avedon comenzó su carrera profesional en la prestigiosa revista de moda Harper´s Bazaar, donde acabó siendo Jefe de Fotografía. En las décadas de los 60 y 70 el fotógrafo estadounidense se convirtió en el más importante fotógrafo de moda trabajando también en publicaciones como Vogue, Life o Look.

Richard Avedon, In the American West, 1979

Pero Avedon no solo fue famoso por sus fotografías de moda. En 1963 mostró su lado más comprometido socialmente al fotografiar, en el sur de Estados Unidos, el Movimiento por los Derechos Civiles, imágenes que fueron publicadas en el libro de James Baldwin Nothing Personal.  También fotografió para New Yorker acontecimientos como la Guerra de Vietnam o la caída del Muro de Berlín. En el año 1979 Avedon realizó uno de sus trabajos más importantes, la serie llamada In the american west, que consistía en retratos de la gente de la calle (campesinos, tenderos, prostitutas, conductores, etc.) hechos con una cámara de gran formato a plena luz del día y, algo común en toda la fotografía de Avedon, sobre fondo blanco.

Por otra parte, Richard Avedon tomó fotografías de sus viajes y vivencias personales con cámaras de paso universal, lo que constituye toda una experiencia paralela a su carrera profesional.

Annie Leibovitz, disparos desde la empatía

Annie Leibovitz

El 2 de octubre de 1949 nace  en Waterbury (Connecticut) Anna-Lou Leibovitz, más conocida como Annie Leibovitz. Con 22 años Leibovitz se licenció en Bellas Artes por el Instituto de Arte de San Francisco. Poco después envía un portfolio a la redacción de la, entonces joven, revista Rolling Stone. El editor de la revista, Jan Wenner, quedó sorprendido por la calidad de las imágenes de la fotógrafa y la contrata. En 1973 es nombrada fotógrafa jefe de la revista.  Es a partir de aquí cuando encontramos las instantáneas más icónicas de su carrera. Dos años más tarde, se va de gira con The Rolling Stones y, fiel a su filosofía: “para hacer la mejor foto posible uno tiene que formar parte de lo que sucede, hacer todo lo que hacen ellos, luego puedes estar allí, fundirte con el ambiente y hacer todas las fotos que quiera”, cae en la dinámica de drogas y salvajismo de la banda británica.

Annie Leibovitz, John Lennon y Yoko Ono, 1980

En el año 1980, consagrada ya como la mejor fotógrafa del mundo de la música, fotografía a John Lennon y Yoko Ono. Leibovitz se enfrenta a sus editores, que querían que solo apareciera Lennon. La fotógrafa capta una imagen que pasó a la historia: Lennon y Ono desnudos, él acurrucado abrazandola a ella, rígida. La fotografía refleja el amparo que Lennon encontró en la artista japonesa. Ahí radica una de las mayores virtudes de la fotografía de Leibovitz: captar no solo a las personas sino los sentimientos y relaciones de las personas. El propio Lennon llegó a afirmar que solo le gustaba ser fotografiado por Leibovitz, ya que la americana era la única que captaba su esencia, sin poses ni miradas pretenciosas. La instantánea cobra más fuerza  horas después de ser tomada, cuando Mark David Chapman asesina al exBeatle en la puerta del edificio Dakota.

El miliciano que murió dos veces

Robert Capa, Muerte de un miliciano, 1936

En el año 1936 Robert Capa fotografío a un miliciano republicano en el momento en que moría. El miliciano muerto pasó a la historia como la primera instantánea que captó la muerte. Según la versión oficial. El documental La sombra del iceberg (Hugo Doménech y Raúl M. Riebenbauer, 2007) cuestiona que la fotografía fuera real mediante una serie de argumentos inapelables. Ya en 1975 Alex Kershaw, en su libro The First Casualty, declara que la fotografía no es más que una puesta en escena. Esta afirmación no hizo ninguna gracia en el entorno de Capa, sobre todo desagradó a Richard Whelan, biógrafo oficial del fotógrafo y principal artífice de la magnitud de la leyenda de Capa. La versión oficial dice que ese día solo murió un hombre, pero en la serie de fotografías de Capa aparecen dos muertos: el mítico miliciano y otro. Y salta a la vista que no es la misma persona pese a que las fotografías tienen casi idéntico encuadre, por lo que se hicieron seguidas. Según el cineasta Patrick Jeudy, Robert Capa le pidió a los milicianos que posaran para conseguir las fotografías que necesitaba. Dado que la imagen que muestra al soldado que realmente murió resta credibilidad a la famosa, la primera fue desapareciendo paulatinamente de la historia de la fotografía. Es el forense Fernando Verdú quien da más razones para creer que la fotografía es un montaje. Verdú explica que no encontramos indicios de un impacto con arma de fuego, ya que no hay destrozo craneal ni sangre en la inmaculada camisa blanca del miliciano. Por otra parte, el personaje viene corriendo y cae, por lo que se necesitaría un disparo cercano y con un arma de gran calibre, tampoco es el caso en la Guerra Civil. El último argumento que da Verdú es que la mano izquierda del miliciano debería estar relajada al estar muerto, y no totalmente en tensión como la observamos en la fotografía.

Carlos Spottorno y la fotografía multimedia

Panama Children (La hora del recreo), 2010

El pasado viernes 4 de noviembre y con motivo de las becas El Invernadero coordinado por Cienojos, tuvo lugar en las Puertas de Castilla la conferencia del fotoperiodista Carlos Spottorno (Budapest, 1971). Este fotógrafo se dedica desde el fotoperiodismo hasta la creación publicitaria pasando por fotografía documental y fotografía publicitaria entre otros. Fue ganador de un World Press Photo en 2003 gracias al reportaje que hizo después del hundimiento del Prestige. Ha trabajado para medios como National Geographic, The New York Times, Le Monde o El País y actualmente colabora con distintos proyectos de Getty Images. Tiene publicados tres libros, History Seekers, China Western y La hora del recreo, siendo además el autor individual en los dos primeros.

En la conferencia, Spottorno presentó tres de sus trabajos. El primero de ellos, titulado China Western, trata sobre el oeste de China, una zona estratégica en la que confluyen los chinos (han), la población autóctona, el islam y los pozos petrolíferos. Una zona en la que se palpa la tristeza gris de un país industrializado según los cánones del comunismo soviético y la relación complicada entre sus habitantes. El libro de Spottorno es el primer libro de fotografía existente que trate sobre esa zona.

Tríptico Margaryta

Tríptico